jarvis cocker

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JARVIS COCKER 20 Golden greats
From june 17th to august 28th
Opening reception wednesday june 17th, 6pm to 9pm
Red Bull Space Paris, 12 rue du Mail, 75002 Paris, France.
infos@12mail.fr

Each year, Red Bull Space Paris offers one artist a residency culminating in an exhibition. The soundtrack to that exhibit, recorded at Red Bull Studios Paris, is cut to vinyl for the occasion. After Trevor Jackson last year, 2015 brings us English musician Jarvis Cocker. The former lead singer of Pulp has chosen to present a new kind of Gold Record: an imaginary award that seeks to uncover the nature of music and the intangibility of success.

Gold records are a myth: they don’t exist. Cited in biographies and celebrated in the pages of magazines, their value is actually non-existent. Not only because they usually aren’t at all made with gold, but moreover because they are generally crafted in a manner at best vaguely artistic, and at worst, perfectly kitsch. But they strike our interest because of something else. Their intrinsic value, beyond the physical, is infinite; it represents the materialisation of the immaterial, of collective energies, of shared success. A meditation on the intangible and symbolic content of these flimsy plastic discs guides Jarvis Cocker, inhabiting the works of his exhibition.

The idea arose 3 years ago, during a period in which I didn’t really know where I was headed. I had just finished a tour and people kept asking what I was going to do next, if I was going to start work on a new record. Though it’s a bit embarrassing, that’s where the idea came from. I told them ‘Yes, I’m working on records, but not in the manner you’d expect.” Working by hand, he designed and crafted Vinyl 45s, attributing fictional songs to his best loved labels: RCA Victor, Belter, Disques Vogue… “It’s a way of playing with the machinery of the record industry: for one disk, I imagined I was at Philips, on another, that I was at Motown, or the Island of the 1970s. I imagined mysef on all those labels that I love, that I track down as a collector, in record shops.” A game of musical chairs, a mise-en-abyme of the labyrinthine day-to-day of artists circling from label to label, from corridor to corridor and from studio to studio.

Adorned with an imaginary title and sealed with the logo of a famous label, the virgin circle of rough black vinyl begins to take life. An emotional charge awakens inert matter: how many records have been bought on the faith alone of a logo or a handful of the artist’s skilfully arranged words? Just how many personal worlds, semantic universes, and intimate echoes resonate within song titles? “Titles are an important part of the music; in just a few words, they reflect an artist’s imagination. As a songwriter, someone who works with words, I enjoy the challenge of expressing something in barely three words.

They may be imaginary but Jarvis’ records exist nonetheless, with lives of their own, played live and radio transmitted: energy shared between millions of fans. Charged with the force of the collective unconscious, they’ve become symbols of collective success, they’ve attained their gold status: “They started out as regular records, but in an apparent twist of egomania, I decided that they should be Gold records. It was a way of saying: I released an LP on Island Records and I sold millions. It was a sort of fantasy of success at a time in my life when I wasn’t even sure I’d carry on making music and releasing records.

The Gold record can’t be bought. It can’t be sold either: its value is intrinsic. It is but the reflection of success, a materialisation of collective energy, of a public enthusiasm that would remain otherwise intangible. What’s at stake here is a meditation on the form, the act of materializing the immaterial, and the manner in which success is represented: “At certain points in my career I received gold and platinum records but I always felt a little bit embarrassed, I was never quite at ease with the idea and always gave them to my mother because I certainly didn’t want them in my house. This was the challenge I faced with this exhibition: how to make the gold record something desirable, something with class and sophistication, because as far as I’m concerned, gold records, and especially those you see lined up on the walls of recording studios, are always rather ugly.

It’s in that crack between material and immaterial that the other side of the exhibition is to be found: beside the gold records, screens play footage from a music TV program from 1980s England. Fixed on the audience rather than the musicians, the cameras capture adolescents in full swing, moving about, screaming and clapping. As far as Jarvis is concerned, this is where you find the real measure of success, the real measure of the gold record: “In contrast to the gold record, which is the record industry’s way of confirming commercial success, these fans who engage, share an energy, a communal moment that’s ultimately not so focused on the band, it’s them who symbolise what music means to me: an energy to be shared, that draws people together, that encourages interactions via the act of listening and dancing. That’s what the spirit of music is, as I understand it.  Sometimes it’s not even the music itself that’s most important. ”

Jarvis Cocker spent a week at Red Bull Studios Paris producing and recording the soundtrack for ‘20 Golden Greats’. With the support of several invitees (harpist Serafina Steer, French producer Pilooski), he has crafted a purely instrumental sound to accompany the project.  “I wanted a sonic landscape that really extrapolated the exhibition experience. This past week at Red Bull Studios Paris was a great experience because of the freedom we had in the way we worked. We came, we tried out different ideas, which we then recorded in simple fashion. It’s a real luxury to be able to just try out different things, with the allotted time and the materials at hand.” The soundtrack will exclusively be available at the gallery for the duration of the exhibition, on limited edition vinyl only.

Chaque année 12Mail – Red Bull Space invite un artiste en résidence pour un projet d’exposition dont la bande son, réalisée au Red Bull Studios Paris est éditée en vinyle pour l’occasion. Après Trevor Jackson l’année dernière, c’est au tour du musicien Anglais Jarvis Cocker – ex leader du groupe Pulp – qui a choisi de présenter des disques d’or d’un genre nouveau : des récompenses imaginaires au service d’une réflexion sur l’essence de la musique et l’immatérialité du succès.

Le disque d’or est un mythe, il n’existe pas. On le mentionne dans les biographies, on le célèbre dans les pages de magazines, mais en réalité il ne vaut rien. D’abord parce qu’il n’est généralement pas en or, mais aussi parce qu’il est la plupart du temps serti d’un habillage au mieux vaguement artistique, au pire parfaitement kitsch. Mais il fascine parce qu’il renferme autre chose : au-delà de sa matérialité, sa valeur intrinsèque est infinie ; il est la matérialisation d’un immatériel, d’une énergie collective, d’un succès partagé. C’est une réflexion sur cet accomplissement de l’impalpable, sur la charge symbolique qui habite ce maigre support plastique qui guide Jarvis Cocker et habite les créations qu’il va présenter.

« L’idée a germé il y a 3 ans, à une période où je ne savais pas vraiment où j’allais. Je venais de terminer une tournée, et mon entourage me demandait sans cesse ce que j’allais faire, si j’allais travaillais sur un nouveau disque. C’était embarrassant, mais il m’est venu cette idée. Je leur ai dit : “Oui, je travaille sur des disques, mais pas de la manière dont vous l’imaginez” ». A la main, il invente et dessine des rondelles de 45 tours, dispersant ses chansons fictives sur les labels qu’il affectionne : RCA Victor, Belter, Disques Vogue…: « C’est une manière de jouer avec le fonctionnement de l’industrie du disque : pour tel disque j’imaginais que j’étais chez Philips, pour tel autre j’étais sur Motown, ou sur Island dans les années 1970. Je pouvais subitement me retrouver sur tous ces labels que j’affectionne, que je recherche en tant que collectionneur de disques lorsque je fouille dans les magasins ». Un jeu de chaises musicales, en même temps qu’une mise en abyme du quotidien labyrinthique des artistes circulant de labels en labels, de couloirs en couloirs, de studios en studios.

Parée d’un titre imaginaire, tamponnée du logo d’un célèbre label, la galette de vinyle noir, brute et vierge, prend vie. Une charge émotionnelle réveille le support inerte : combien de disques ont été achetés sur la foi d’un logo ou de quelques mots habilement assemblés par les auteurs ? Combien d’imaginaires, d’univers sémantiques et d’échos intimes se dégagent d’un titre de chanson ? « Les titres sont importants dans la musique, ils disent beaucoup de l’imagination d’un artiste en peu de mots. Je suis un songwriter, je travaille avec des mots, et je pense qu’il est intéressant de chercher à dire quelque chose avec à peine trois mots. ».

Mais il y a plus : même s’ils sont imaginaires, les disques de Jarvis possèdent une existence propre, une vie. Ils ont été joués sur scène, sont passés à la radio et ont transmis leur énergie à des millions de fans. Chargés d’un inconscient collectif, symboles d’un succès partagé, ils sont ainsi devenus des disques d’or : « A l’origine c’était de simples disques, mais, en raison de ce qui s’apparente un peu à de la mégalomanie, j’ai décidé que ce serait des disques d’or. C’est une manière de dire : j’ai sorti un disque sur Island Records et j’en ai vendu des millions. C’était un peu un fantasme de succès, à une époque où je ne savais pas si j’allais vraiment continuer à faire de la musique et à sortir des disques ».

Le disque d’or ne s’achète pas et ne se vend pas ; sa valeur est intrinsèque. Il n’est que le reflet d’un succès, la matérialisation d’une énergie collective, d’un enthousiasme populaire qui demeure impalpable. C’est une réflexion sur le support, sur la matérialisation d’un immatériel, et la manière de représenter le succès, qui l’emporte ici : « J’ai reçu des disques d’or, des disques de platine, même, durant ma carrière, mais ça m’a toujours embarrassé, je n’ai jamais été à l’aise avec ça et je les ai donc tous donnés à ma mère car je n’en voulais pas chez moi. C’est précisément le challenge de cette exposition : faire du disque d’or quelque chose de désirable, de classieux et de sophistiqué, parce que pour moi, les disques d’or, particulièrement ceux que tu vois quand tu vas dans les studios où ils sont alignés sur les murs, sont assez laids ».

C’est ici, dans ce creux entre matériel et immatériel, que se noue le lien avec l’autre partie de l’exposition : à côté des disques d’or, des écrans diffusent des séquences d’une émission musicale anglaise des années 1980. Braquées sur le public plutôt que sur les musiciens, les caméras saisissant des adolescents en liesse qui occupent l’espace, hurlent et applaudissent.  Pour Jarvis, c’est ici que se joue la notion de succès, et donc de disque d’or : « A la différence du disque d’or, qui est une manière pour l’industrie du disque de qualifier un succès commercial, ces fans qui s’agitent, qui partagent une énergie, qui communient, et qui prêtent finalement très peu d’attention au groupe, symbolisent ce qu’est pour moi la musique : une énergie qui se partage, qui pousse les gens à se réunir, à échanger entre eux, en écoutant, en dansant. Pour moi, c’est ça l’esprit de la musique. Parfois, la musique n’est même pas le plus important ».

Jarvis Cocker a passé une semaine au Red Bull Studios Paris pour produire et enregistrer la bande son de ces 20 Golden Greats. Epaulé par quelques invités (la harpiste Serafina Steer, le producteur Français Pilooski), cette musique purement instrumentale vient compléter sa réflexion. « Je voulais créer une sorte de paysage sonore qui décuplerait l’expérience des gens qui visitent l’exposition. Cette semaine au Red Bull Studios Paris était une très bonne expérience parce que la manière dont on a travaillé était très libre. On est venu, on a testé des idées puis on les a enregistrées très simplement. C’était un vrai luxe de venir juste pour essayer des choses, en utilisant le temps nécessaire, le matériel à disposition. » Cette bande-son fera l’objet d’une édition vinyle limitée, hors commerce, disponible à la galerie pendant la durée de l’exposition.

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